ARTES VISUALES III
2. Una vez que hayas leído la información anterior contesta el siguiente cuadro:
1. Observemos la siguiente presentación y videos
2. Anota en tu cuaderno un resumen de la información que se presenta.
2. Una vez que hayas leído lo anterior, llena el siguiente esquema que se presenta:
Don Pedro cayó enfermo y perdió la conciencia. Durante ese tiempo
se sumió en un sueño profundo lleno de criaturas extrañas, nunca antes
vistas por él, sin embargo, podía distinguir que cada una de ellas tenía
elementos de animales distintos; alas, colmillos, cuernos, patas en
combinaciones monstruosas y bellas, como él explica en el documental
realizado por Judith Bronowski, realizado en 1975.
— ¡Alebrije, alebrije!— esto gritaban las
extrañas criaturas en su sueño. Al despertar, él recordó lo que había visto y
puso manos a la obra. Don Pedro Linares López era cartonero de oficio, y dispuso de este
arte para dar vida a las criaturas que vio, a las cuales llamó alebrijes, tal y
como escuchó en su sueño profundo.
El oficio de cartonero se remonta a los inicios de
la integración cultural en la época colonial. Durante este sincretismo, con todo y sus
complejidades, se abrieron muchos talleres a lo largo del país en donde se
realizaban artes diversos como cerámica, tallado y labrado de madera, tejido en telares y
muchos otros; así mismo la cartonería sería heredada de padres a hijos como el
caso de la familia Linares. Con este arte popular mexicano se realizan
piezas para festividades como piñatas, máscaras, juguetes, y también las piezas
conocidas como "Judas".
Don Pedro Linares López soñó a los alebrijes a los
30 años y luego de esto comenzó a dar forma a las criaturas que sorprenderían y
fascinarían a todo aquel que las mirara. Don Pedro trabajaba para grandes
artistas que se apoyaban en él para realizar trabajos diversos de cartonería;
uno de ellos fue Diego Rivera, quien al conocer los alebrijes llegó a admirarlos tanto que declaró
que ningún otra persona podía hacerlos puesto que Don Pedro era el verdadero
creador. Incluso, en el museo del reconocido pintor y muralista mexicano, en
el Museo Anahuacalli, se exhiben
alebrijes de Don Pedro Linares.
Los alebrijes son un arte relativamente nuevo, pues las primeras piezas datan de los años 30's y 40's. A nivel internacional se dio a conocer tras el documental de la directora Bronowski y la exhibición de alebrijes en el extranjero. La fascinación por esos horrendos personajes y al mismo tiempo atrayentes hicieron de Don Pedro un artista reconocido. Por esto mismo recibió en 1990 el Premio Nacional de Ciencias y Artes en la categoría Artes y Tradiciones Populares, esta es la más alta condecoración para artesanos otorgada por el gobierno mexicano.
semana 17)
1.Elabora un resumen de la siguiente información:
1. Anota en tu cuaderno, la siguiente información:
Se definen como galerías de arte los establecimientos abiertos al público, de explotación privada, la actividad principal de los cuales es la exposición y el comercio de obras de arte y que se dedican también, en mayor o menor medida, al estímulo de la creación y la promoción del arte, de los artistas y de sus creaciones. No se incluyen en la estadística las galerías únicamente dedicadas al comercio de antigüedades.
¿Qué debe de tener una galería de arte?
Normalmente, en las galerías de arte se exponen obras tales como pinturas o esculturas, pero también se pueden encontrar otros elementos como por ejemplo muebles, joyería, cerámica, tapices, fotografías, dibujos o incluso instalaciones de arte de gran porte y tamaño.
Tipos de galerías
· Galería de arte contemporáneo. A pesar del nombre que recibe este tipo de galería, puede llegar a exponer a autores del pasado y obras clásicas.
Galería de arte comercial. Este tipo de galerías de arte pueden localizarse en diferentes lugares.
· Galería de alquiler.
· Galería itinerarias.
¿Cuál es la diferencia entre una galería de arte y un museo de arte?
La diferencia de las galerías, los museos no se dedican a vender obras de arte; en cambio, dependen de donaciones, obsequios, subvenciones y, en la mayoría de los casos, admisiones para pagar los costos operativos. (nota: cuando un museo vende una obra de arte, se llama desaccesión).
¿Cuál es la importancia de la galería de arte hoy en día?
Las galerías juegan un papel importante dentro del mercado del arte, ya que no solamente comercializan obras, sino que, además ofrecen al espectador una educación sobre el mundo del arte desde sus diferentes disciplinas, y colaboran con el posicionamiento del artista.
¿Qué es una galería de arte virtual?
Una galería virtual es la que se ha creado empleando un soporte gráfico e informático para mostrar las obras expuestas en un medio como internet. Su proyecto denominado Google Art Project permite a los usuarios realizar un recorrido virtual por las galerías y museos de arte asociados que alberga la plataforma.
2. Revisa el siguiente link y escoge 2 galerías que sean de tu agrado y elabora un reporte de una cuartilla por las dos galerías, e ilustra.
EL ESPECTADOR EN EL ARTE
1. Elabora un resumen de la información que se presenta, en una cuartilla:
En el S. XXI el sujeto pasivo se ha vuelto activo, participativo, emancipado. El significado indispensable en los escenarios artísticos hoy reside en el espectador. En la contemporaneidad, el Arte ha de adaptarse a la sociedad y no a la inversa como venía siendo habitual hasta la irrupción de las Vanguardias en el S.XX. El arte inclusivo pasa por el Constructivismo para llegar a ser significativo, para edificar el aprendizaje desde el intercambio, desde el estímulo. La obra habla por sí misma; sólo hemos de despertar la curiosidad para preguntarle y generar esa dialéctica, esa reflexión.
¿Qué le comunica la obra artística al espectador?, ¿Cuál es el grado de iconicidad que nos hace familiar una imagen?, ¿por qué se nos despierta el factor lúdico ante la obra de arte?,
Hoy podemos elegir el Arte o encontrarnos con el Arte, a través de la libertad en la reacción o la libertad en la elección. Hoy podemos indignarnos y protestar con el arte, escuchar arte, comer arte, vestirnos con arte y oler arte. El Arte es una reflexión, una respuesta, un efecto antropológico que depende del resultado del acontecer inmediato.
El espectador en el espacio público, las obras artísticas como transformación social; el espectador como soporte artístico en la calle. Un buen ejemplo de esta reacción es la impactante y aguda performance sobre “El fusilamiento de la sanidad pública”, el 2 de mayo del 2013 en Madrid. A través del paralelo de la obra de Francisco de Goya, el personal sanitario se manifestó contra los abusivos recortes ante el Museo del Prado. Se trata de una actuación de arte protesta. Allí estaban las tropas opresoras y los que habrían de ir al cadalso… Esta práctica se viene multiplicando con los movimientos sociales.
El arte público en el espacio público en nuestro tiempo dista mucho de las tradiciones histórico-artísticas. Ahora se puede sacar el arte a la calle, sin intermediarios, para que el espectador construya el discurso. El público participa con el artista en el bulevar, en la vía en el paseo; interactuando con la obra, en la creación o en la percepción. Instalaciones, performances, arte y naturaleza, arte.en.red. Las nuevas tendencias en el museo, bien definidas por el ICOM (Consejo Internacional de Museos), focalizan su interés en la audiencia.
El equipo museal del futuro tiene como principal iniciativa el despertar el interés de la audiencia, para que la visita al museo sea universal y accesible. Hoy los materiales curriculares permiten la colaboración entre los grandes equipamientos culturales y los centros educativos, cooperando en la comprensión y en la eficacia en edades escolares, a través de los gabinetes pedagógicos.
Aspectos necesarios como una clara geografía expositiva que facilite el recorrido, las nuevas tecnologías como recurso o una narrativa directa y concisa; contribuyen a la comprensión, a la coherencia y a la eficacia para encaminarse al público heterogéneo. El espectador es el elemento esencial en el Arte hoy.
2. Elabora un dibujo al estilo del Dr LaKra. Te dejo un ejemplo:
EL MUSEO
1. Copia en tu cuaderno la siguiente información:
¿Qué es un museo?
Un museo (del latín, musēum y este, a su vez, del griego, Μουσείον) es una institución pública o privada, permanente, con o sin fines de lucro, al servicio de la sociedad y de su desarrollo, y abierta al público, que adquiere, conserva, investiga, comunica, expone o exhibe, con propósitos de estudio y educación.
¿Cuál es la función de los museos?
Las funciones fundamentales del museo son cinco: coleccionar, conservar, investigar, difundir y educar. Cada una de estas funciones da origen a un área de atención específica que supone un personal especializado en el cumplimiento de esa función.
El personal de los museos
-Cargos directivos: Director y subdirector. Uno y otro contraen responsabilidades directa o subsidiaria de cara tanto a la Administración como al público.
-Conservadores.
-Bibliotecarios.
-Restauradores.
-Fotógrafos.
-Personal subalterno.
-Becarios.
-Personal con contrato eventual.
¿Qué funciones y obligaciones tiene un galerista?
El papel del galerista es crucial, pues es su criterio el que determinará los artistas y las obras que forman parte de una exposición. Cualquiera puede visitarlas, disfrutar la exposición y compartir dudas y puntos de vista con el galerista. La función principal del galerista es promover artistas exhibiendo sus obras en las galerías. El galerista es un profesional que tiene formación académica en ciencias humanísticas relacionadas con el arte y la gestión cultural.
Como su nombre lo sugiere (del griego photos, “luz” y graphos, “dibujo, escritura”), la fotografía es la técnica y el arte de obtener imágenes fijas y duraderas a través de la proyección de la luz. Esto se logra gracias a materiales que reaccionan químicamente a ella o, más recientemente, en dispositivos electrónicos sensibles a ella.
La fotografía es un invento moderno, que inauguró una gama de enormes posibilidades de captura y reproducción de imágenes. Su técnica luego fue aprovechada por el cine y por otras tecnologías posteriores.
Su funcionamiento elemental replica el de la cámara oscura, que es la fotografía estenopeica. Además, diversos avances tecnológicos han permitido ajustar y conservar la imagen proyectada.
¿Cómo fue inventada la fotografía?
La fotografía no tuvo un único inventor, ya que fue consecuencia de una serie sucesiva de tecnologías que datan desde el siglo XIX al XX.
Antes de que la fotografía se inventara tal y como la entendemos hoy, fue necesario el desarrollo de diversos objetos tecnológicos.
El primero de ellos fue la cámara oscura, que era utilizada incluso en la Antigüedad, en los siglos V y VI a. C.
Sin embargo, recién en el siglo XIX esa tecnología derivó en la invención de artefactos más similares a la fotografía. Entre ellos se difundieron principalmente el daguerrotipo, el heliograbado y la cianotipia.
La existencia de estas técnicas previas fue imprescindible para el desarrollo de la fotografía. Por eso, los responsables de su invención y perfeccionamiento son demasiado numerosos como para que haya un “inventor” de la fotografía.
Historia de la fotografía
El primer intento fotográfico experimental de éxito fue el heliograbado, descubierto por Joseph Niépce alrededor de 1820. Este químico francés utilizó una cámara oscura donde exponía durante ocho horas una superficie de papel, cristal y metales como el estaño, el cobre y el peltre.
El resultado era una impresión más o menos clara de lo observado. Pero como no se había resuelto el tema del fijado, las imágenes obtenidas así se acababan perdiendo lentamente. En 1825 obtuvo la primera imagen permanente utilizando una mezcla de betún de Judea como mezcla fotosensible.
Estas experiencias fueron heredadas por Louis Daguerre, socio de Niépce, quien en 1837 desarrolló y difundió en el mundo el daguerrotipo. Era un procedimiento similar al de su socio, pero empleaba una superficie de plata pulida como un espejo y revelándola con vapores de mercurio.
Las imágenes así obtenidas eran únicas e irrepetibles, y requerían de mucha luz, por lo que se hacían sólo en exteriores. Los tiempos de exposición seguían siendo largos (unos 10 minutos) por lo que era necesario usar aceleradores químicos.
Las primeras copias fotográficas se lograron en 1840, cuando William Fox Talbot desarrolló el calotipo. Este sistema permitía obtener negativos de papel de la imagen fotográfica. Estos podían ser positivados sobre otra hoja de papel, humedecido en una solución ácida de nitrato de plata. Luego se introdujo la cianotipia, que producía copias del original.
En 1851 Gustave Le Gray introdujo un nuevo mecanismo fotográfico: el colodión húmedo. Consistía en derramar esa sustancia entre dos láminas de vidrio y luego revelar en sulfato de hierro amoniacal. Desde entonces se inicio la masificación de las imágenes fotográficas con este método, que imperó hasta 1885.
Fotografía moderna
En 1888 George Eastman presentó la primera cámara fotográfica Kodak. Como empleaba carretes de película fotográfica, revolucionó para siempre el mundo de la fotografía haciéndola accesible para cualquier persona, no sólo fotógrafos profesionales.
Con la invención de la película fotográfica, las placas de vidrio entonces dejaron de usarse. Sin embargo, volvieron a ser necesarias durante un período en 1907, ya que eran el único método para hacer fotografías a color, usando varias placas monocromas de vidrio.
La fotografía no volvió a ser la misma. Las cámaras comenzaron a utilizarse fácilmente, sin necesidad de formación profesional. En 1931 se inventó el flash, que permitía fotografiar de noche o en situaciones de poca luz. En 1948 se difundió la fotografía instantánea o polaroid, que se revelaba en apenas 60 segundos.
La fotografía digital apareció después de la revolución tecnológica de la segunda mitad del siglo XX, en 1990. Este proceso reemplazó la película fotosensible por sensores electrónicos que realizaban la misma función, y eliminó la necesidad de revelado.
2. Contesta en tu cuaderno las siguientes preguntas:
1. Realiza la lectura de la siguiente información:
13
REGLAS DE LA COMPOSCION FOTOGRAFICA
1. Identifica el centro de
interés
Cada
fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué es la foto?
¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto? Debería
ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto.
Es lo que se denomina el centro de interés.
Aunque se denomine centro, el centro de interés no
tiene que ser necesariamente el objeto que esté en en el centro de la foto
ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.
Es la primera regla de una buena composición, ya
que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo
sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de
ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés.
2.
Rellena el encuadre (Fill the frame)
3.
Apóyate en las líneas
4.
Trabaja el flujo
5.
Juega con la dirección
6.
Los elementos repetidos
7.
Los colores siempre dicen algo
8.
El interés de los grupos de tres
9.
La regla de los tercios
10.
El espacio negativo
11.
Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo
12.
El enmarcado natural
13.
Las curvas en S
Esta
regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos
al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte
con ese "algo", asegurándonos que se convierte de este modo en el
centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que
resten atención.
Es
un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al
final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que
queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quítalo.
Las líneas son un elemento de importancia vital
en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador
de una parte de la foto a otra.
Cuando
vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas
son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien
contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas
horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que
aportan significado a las imágenes.
Un
tipo especial de líneas son las líneas convergentes.
Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban
convergiendo en un mismo punto.
Después
de las líneas, podemos tratar el flujo. El flujo es el modo en el que la mirada del espectador
se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de
definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser
horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el
flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un
edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo,
la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una
parte a otra de la imagen.
El
flujo crea la ilusión de
movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas
diagonales se consideran generalmente más "dinámicas", mientras que
las líneas horizontales y verticales se consideran más "estáticas".
Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido
global de movimiento a tus fotografías.
La dirección es similar al flujo. También crea
la ilusión de movimiento. Si
hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección
en la que se mueve.
Un
ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo
para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas
juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar
en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar
tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se
puede cerrar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede
transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus
pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo
modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la
que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al
lado derecho de la foto.
La repetición de algún elemento (unos globos,
unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen.
Por
ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviéndose en grupo por el aire,
definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la
dirección de la fotografía.
En
algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la
unión y el compañerismo.
Existen
dos tipos de colores, los
cálidos y los fríos.
Los
rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos.
Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.
Existen
muchos elementos
psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los
azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más
temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del
color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición.
En
materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste
se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más
oscuras de nuestra foto.
Parece existir una percepción especial de los números
impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos.
Un
único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una
foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos
pueden resultar demasiados para distribuir.
Por
algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En
fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de
interés.
Ya escribimos un artículo que explicaba la regla de
los tercios con más detalle. Si nos fijamos en obras de arte en
cualquier museo, podremos comprobar que si dividimos un cuadro en cuadrículas
de igual tamaño de 3x3, las cuatro intersecciones de las cuadrículas dentro del
cuadro marcan los puntos de interés.
Trazando
esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de
que elementos fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones:
ventanas y puertas, ojos, líneas de horizonte, picos de montañas, ... Está
comprobado que llevando nuestro punto de interés a uno de esos cuatro puntos
conseguimos una imagen mucho más interesante.
En
este sentido, reseñar que existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una
rejilla (grid en
inglés) para trabajar con los tercios, por lo que os animo a que revises el
manual de vuestra cámara si consideras que os puede ayudar a la hora de
mejorar la composición.
Se considera espacio negativo
los grandes espacios
vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una
fotografía, normalmente a un lado.
El
alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto
de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma
a la imagen.
Aunque
no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más
conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el
encuadre comentada más arriba en este mismo artículo.
El contenido del frente y del fondo de una foto
es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros
elementos compositivos como los colores o las líneas.
Lo
importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que
puedan distraer la vista del espectador del centro de interés.
La
mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente
y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo.
Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer
fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.
Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al
centro de interés de la foto.
Algunos
de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como
puertas, ventanas o puentes.
Otros
actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el
caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, ...
Cualquier
elemento que "encierre" el centro de interés nos permitirá enmarcar
la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.
Las curvas en "S" son un elemento muy recurrente
en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviendo y ayudan a conducir la mirada.
En
la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas
en "S" en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de
un río … Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la
fotografía.
2. De acuerdo a la lectura que realizaste previamente, contesta la siguientes preguntas y escríbelas en tu cuaderno:
- ¿POR QUE LAS FOTOS DEBEN TENER UN CENTRO DE
INTERES?
- ¿QUE PASA SI NO HAY UN CENTRO DE ATENCION?
- ¿EN QU ENOS AYUDA EL USO DE LAS LINEAS EN LA
FOTOGRAFIA?
- ¿QUE ES UNA FOTOGRAFIA EN FLUJO?
- ¿QUE ES LO QUE SE CREA AL UTILIZAR EL FLUJO EN
LA FOTOGRAFIA?
- ¿MENCIONA UN EJEMPLO DE FOTOGRAFIA QUE TENGA
DIRECCION?
- ¿CUANTOS TIPOS DE COLORES EXISTEN DE ACUERDO AL
TEXTO EN PARA LA TOMA DE FOTOGRAFIAS?
- ¿EXPLICA CON TUS PROPIAS PALABRAS COMO FUNCIONA
LA REGLA DE LOS TERCIOS.
- ¿ QUE ES UN ESPACIO NEGATIVO?
- ¿ PORQUE
ES UNA BUENA HERRAMEINTA EL USO DE LA PROFUNDIDAD DE CAMPO?
- ¿EXPLICA
QUE ES UN ENMARCADO BATURAL.
- ¿MENCIONA
DOS LUGARES DONDE ENCONTREMOS COMPOSIONES O FOTOGRAFIAS EN “S”
